Il saggio che segue è stato scritto nel 1992 in occasione dell'annuale convegno di informatica musicale organizzato, se ricordo bene, a Genova. Il testo è stato respinto e, non avendo avuto alcuna motivazione, da allora ho capito che la mia ricerca stava percorrendo nuovi sentieri e non ho più partecipato ai successivi incontri. Il breve saggio, "L'Evoluzione Musicale", contiene le prime riflessioni che hanno portato, in seguito, all'ideazione dei Sonemi: mi è sembrato importante riportarlo quale contributo storico e documentale.

L'Evoluzione Musicale
di Piero T. de Berardinis (1992)

Premessa
L'attenta analisi ed osservazione dei fenomeni artistici contemporanei ha determinato la nascita e lo sviluppo di questo testo, il cui scopo è quello di analizzare le analogie e le differenze che hanno accompagnato l'evoluzione delle arti dai primordi della musica occidentale alle moderne avanguardie usando come elementi di confronto la profondità intellettuale, l'autonomia creativa, l'originalità del "modello" e l'intrinseca complessità strutturale. I criteri adottati permetteranno di valutare integralmente il dislivello tra le varie forme artistiche, consentendo di sviluppare forme autonome di critica ed elaborazione di nuovi e più costruttivi "modelli" atti a produrre espressioni musicali di indubbio interesse.

Selettività formale ed evoluzione relativistica nella cultura musicale post-atonale
Il concetto di "evoluzione" è stato sempre correlato a quello di "progresso". Progresso inteso generalmente nell'accezione positiva del termine: evoluzione quale sinonimo di "miglioramento". In effetti, il termine "evoluzione" non è legato ad una eventuale positività del processo ma esclusivamente ad una trasformazione, ad un progredire, di tipo temporale, da una condizione antecedente ad un nuovo stato non necessariamente "positivo" e quindi migliore. Sostanzialmente, viene posto qui in dubbio il processo di selezione quale depurizzante in una discriminazione ragionata o aleatoria del reale; inoltre, la sensazione di positività o negatività che è data dalla selezione evoluzionistica è strettamente legata alla relatività delle osservazioni, correlata al nostro breve ciclo vitale.

In effetti, per poter affermare che un ciclo evoluzionistico ha condotto ad un reale miglioramento delle condizioni originarie, dovremmo avere la visione complessiva e definitiva dell'evoluzione stessa. Per sua stessa natura, l'evoluzione non potrà mai aver termine: da qui l'impossibilità di confermare la positività di una certa selezione. Potrà esserlo, forse, e non inequivocabilmente, nello stretto ambito di un passaggio generazionale: non certo nell'infinito della storia evolutiva.

Trasferendoci nell'ambito musicale, possiamo chiederci: l'evoluzione musicale della post-tonalità sta percorrendo i giusti canali selettivi, o vi sono segnali dai quali è possibile ricavare che sta trasformandosi essa stessa in una involuzione verso forme degenerative? Per definizione, non possiamo qui discutere della positività o meno del processo: tuttavia, nulla ci vieta di notare delle particolarità che inducono ad alcune riflessioni di ordine formale.

Il fattore ambientale
Nel processo biologico, la selettività è legata ad elementi ambientali o strutturali che determinano la trasformazione o scomparsa di alcuni fattori e lo sviluppo o crescita di altri. Il fattore ambientale è importante in biologia come in musica: il compositore è strettamente legato all'ambiente in cui opera e da esso è notevolmente influenzato nelle sue scelte. Queste possono essere riunite in due grandi categorie: le scelte legate ai bisogni di tipo economico (condizionamento del mercato) e quelle di tipo artistico (influenza delle sovrastrutture culturali). Benchè eticamente le prime abbiano sempre sofferto di rifiuti intellettuali, esse hanno costretto l'evoluzione musicale in limiti angusti praticamente dalla sua nascita. Non solo: esse hanno praticamente determinato la struttura e la forma della musica contemporanea e, in sostanza, il gusto e la capacità di comporre dei musicisti sino ai nostri giorni. La scelta di tipo artistico, ovvero direttamente derivata dai bisogni creativi ed espressivi, raramente ha contribuito a modificare il corso evolutivo della musica, tanto che in nessun altro movimento culturale è dato riscontrare un ritardo così accentuato nelle ideazioni ed elaborazioni di tipo strutturale, tanto più evidente dalla fine del Settecento ad oggi a causa della rapida trasformazione di quel particolare fenomeno che rientra sotto il nome di "mecenatismo", periodo infausto durante il quale i musicisti scoprirono il piacere di vendersi. Scrive a proposito il Baroni nella sua "Storia della Musica" (Baroni Fubini Petazzi Santi Vinay - Storia della Musica - Cap. IV - La musica nell'Umanesimo e nel Rinascimento - Ed. Einaudi 1988):

..."Nella sua accezione più elementare la parola "mecenate" indica colui che per amore della cultura finanzia attività artistiche o le rende possibili col suo denaro."...(omissis)..."Dagli aristocratici il denaro era soprattutto usato come strumento di potere e di privilegio: serviva a procurarsi armi ed eserciti in caso di guerra e a costruire dimore sontuose che simboleggiassero l'altezza del proprio status sociale. Ma c'è un aspetto ancor più importante ed è quello che si riferisce al potere culturale, intendendosi per cultura sia il sapere, l'informazione, l'erudizione, sia la possibilità di produrre e far accettare socialmente ideologie e schemi di pensiero, sia infine la possibilità di elaborare stili di vita, regole di comportamento, gusti estetici capaci di simboleggiare la distinzione spirituale della propria classe. Appunto il possesso di un potere culturale inteso in questo senso ampio spiega e giustifica la pratica del mecenatismo: la corte o la casa principesca poteva diventare un centro autentico di produzione culturale solo se aveva a disposizione e al proprio servizio le persone delegate a produrre cultura, cioè gli intellettuali. E infatti nelle corti e nelle famiglie nobili si concentravano studiosi, letterati, filosofi, scienziati, artisti, musicisti legati in forme diverse agli interessi culturali, sociali e politici del signore che ne era il mecenate. Le attività musicali e i musicisti che le praticavano partecipavano ovviamente a questo processo...".

Appare evidente che la storia della musica subisce una svolta radicale nel periodo rinascimentale: il musicista fino ad allora considerato un girovago, condannato dalla Chiesa che vedeva nella musica un'arte "sensuale" più che spirituale, emarginato per il suo lavoro manuale ed "illetterato", diventa finalmente professionista, con un compenso economico fisso e degno di apparire al fianco di poeti e letterati: e, naturalmente, schiavo "ideologico" del signore del castello. Continua il Baroni (ipse):

"Così i generi musicali praticati dai compositori europei dal XV al XVII sec. si adeguarono alle necessità rituali, religiose o profane, alle celebrazioni e alle feste in cui si consacrava e si ufficializzava il potere della chiesa, dello stato o anche del principe o della singola famiglia nobile."

In realtà, la storia della musica si è fermata al Cinquecento e tuttora viviamo in un periodo rinascimentale privo della componente umanistica. Gli sforzi di alcuni isolati grandi teorici e compositori non ha influenzato minimamente il normale corso selettivo dovuto ai bisogni di tipo economico: lo strapotere dei mass media e l'indifferenza dei governi non ha prodotto che sfruttamento razionale e finalizzato delle correnti musicali del momento creando nuovi e più pericolosi "prìncipi". La selezione musicale ha dunque raramente seguito il criterio della libera creatività, e tale scelta ha influito in modo determinante sulla qualità della produzione contemporanea, creando una falsa evoluzione, ovvero una "involuzione musicale" o, come ritengo più opportuno definirla, una "devoluzione strutturale della forma musicale".

La confusione dei generi
Se l'uomo oggi ha perso la coda, e studi autorevoli ne confermano la presenza nei primi ominidi, è perchè probabilmente da milioni di anni abbiamo perso l'uso di arrampicarci sugli alberi per cacciare o sfuggire ai pericoli. La perdità della tonalità o alcune forme gestuali introdotte nella musica contemporanea, così come l'esasperazione dell'atonalismo informale, non hanno eguali spiegazioni se non irrazionali: il mercato richiede la tonalità o, perlomeno, una forte coerenza con la tradizione popolare; la particolarità del linguaggio non giustifica la fusione con altre forme d'arte (multimedialità), ché allora dovremmo effettuare un distinguo tra forme pure e forme miste; l'atonalità produce sale da concerto semivuote e continue sensazioni di smarrimento. Ora, non ha senso che il processo di selezione applicato non segua leggi di consumo nè tantomeno aleatorie manifestazioni artistiche: qual'è dunque la via seguita dallo sviluppo musicale?

Ebbene, nell'espressione culturale di tipo musicale il processo evolutivo sembra seguire la strada del rifiuto dei caratteri. Portando alle estreme conseguenze una selettività di questo tipo, ben presto la musica non sarà più tale: avremo, probabilmente, una nuova forma d'arte o la stessa verrà inclusa in altre forme che hanno saputo seguire un processo evolutivo coerente: e non sarebbe il primo caso nella storia delle arti: si pensi anche solo per un attimo alla poesia o al cinema.

Non è assurdo, dunque, pensare ad uno scisma intellettuale tra forma musicale devolvente e forma musicale evolvente. Il fattore di relatività introdotto nella selezione strutturale falsa i normali processi di sviluppo positivo, creando una errata visione della storia musicale ed un falso gusto artistico: nessun critico musicale si è mai posto il problema evolutivo quale discriminante nella giustificazione artistica di un'opera. Il problema è stato molte volte mal interpretato, confondendo la capacità di elaborazione dei materiali con la sensibilità poetica, l'estro manuale con il genio artistico. L'eliminazione del fattore di relatività nella lettura dei testi musicali è sostanzialmente impossibile: siamo abituati a categorizzare, tutta la nostra cultura è "categoria", insieme di scomparti stagni con minuscole feritoie di collegamento, a volte ostruite da ammassi informi di preconcetti. La rimozione di questi ostacoli potrà farci vedere in tutta la sua luminosa chiarezza il processo evolutivo al di là dei bisogni primari: arte ed economia possono equilibrarsi non solo nel "genio" artistico, ma anche nel normale sviluppo selettivo della struttura in forme pure: e sarà opera del compositore illuminato rileggere la storia della musica alla ricerca della propria positività, con la quale potrà costruire le fondamenta del nuovo prodotto evolutivo, punto di arrivo e, al tempo stesso, punto di partenza di una nuova catena poetica.

Il Modello Artistico
Benchè l'arte figurativa investa la sfera del senso della vista, non è azzardato formulare alcune ipotesi relazionali con il senso dell'udito. Il prodotto intellettivo, elaborazione della creatività umana, si innalza ad "arte" nel momento in cui esso assume la forma di "modello". La capacità umana di elaborare "modelli" è, da un certo punto di vista, illimitata se si considera ognuno di esso momento particolare di un determinato sviluppo evolutivo. Se nella semantica tradizionale il "modello" è un elemento di riferimento da cui trarre ulteriori elaborazioni, nel particolare contesto artistico un "modello" è il punto di convergenza delle esperienze precedenti in un nuovo prodotto la cui evoluzione, sia essa positiva o negativa, ha determinato la nascita di un prodotto affatto nuovo ed unico nella scala della selettività. In un "modello" riconosciamo tutti gli elementi appartenuti ai precedenti: in più scopriamo che in esso è forte la motivazione artistica, non certo quella economica. Un "modello" non sarà necessariamente un prodotto concreto: potrebbe essere una forma di pensiero, una corrente letteraria o pittorica, un metodo di notazione od altro ancora.

Nell'arte figurativa si è iniziato ben presto a creare "modelli" di natura diversa: il sistema che ha reso possibile un simile rigoglio culturale è stato, paradossalmente, il nascere e progredire del mercato dell'arte. La pittura e la scultura hanno potuto, o saputo, svincolarsi ben presto dalle due spinte evolutive primarie: ciò ha consentito l'applicazione dei criteri di scelta dei "modelli" indipendentemente dalle forme selettive e dai bisogni generativi. Bisogna pensare, quindi, che la selezione seguita dai modelli pittorici sia stata più libera di quella musicale, consentendo una evoluzione formale e strutturale a più alto livello rispetto a quella raggiunta dall'arte musicale. Benchè le due espressioni culturali siano legate a mezzi espressivi comuni (la forma, il colore, il materiale, la struttura) possiamo paragonare il livello raggiunto dall'evoluzione musicale all'espressionismo figurativo, con un dislivello intellettuale di circa due secoli. In sostanza, il processo evoluzionistico musicale ha subito un freno non per demerito dei compositori ma più direttamente a causa dello stretto legame che unisce il mondo della produzione sonora al mercato dei beni di consumo, ai nuovi "prìncipi", creando una sorta di dipendenza artistica da altre forme di pensiero. Oggi, il grado di apprezzamento di un prodotto musicale è inversamente proporzionale alla sua complessità: esattamente il contrario di quanto avviene per le arti figurative.

La musica raramente viene ascoltata per quello che è: puro evento sonoro. La troviamo legata al virtuosismo solistico, relegata a puro sottofondo, venduta nei supermercati dell'arte, associata ai pannolini, spacciata per alta creazione intellettuale, mista ad altre forme d'arte, quasi sempre mal interpretata e mal ascoltata: mai come "puro evento sonoro". Nel linguaggio musicale scevro di contaminazioni intellettualoidi, sono da ricercarsi la fonte e gli anelli della catena evolutiva, il principio e il divenire dell'armonia, giusto connubio tra idea ed estetica, spazio e tempo, forma e struttura.

Negli anni scorsi abbiamo già affrontato il problema della trascrizione letterale di passaggi notazionali proponendo un primo protocollo di scrittura (AT-1). Alla luce di nuove esperienze tecniche abbiamo preferito aggiornare il vecchio studio elaborando un nuovo protocollo (AT-2) usato nella descrizione di alcuni passaggi nel trattato Algoritmi di Analisi e Composizione Musicale ancora in fase di pubblicazione. La traslitterazione è un processo necessario in sede teorica per la trattazione del complesso degli elementi costitutivi di ogni brano musicale, dalla ricerca analitica alla scrittura di algoritmi matematici finalizzati alla generazione di strutture melodico-armoniche di qualsiasi complessità.

Per visualizzare il testo: → Traslitterazione analitica AT-2